Encomio del silencio y el vacío Manuel Marín
- Mariana Solorzano
- 10 sept 2025
- 4 Min. de lectura
Actualizado: 3 oct 2025
Encomio del silencio y el vacío es la muestra del pintor y escultor Manuel Marín (Ciudad de México, 1951). Esta exposición reúne dos series que condensan procesos y proyectos anteriores del artista, ofreciendo un recorrido que nos permite adentrarnos en los lenguajes plásticos que ha construido a lo largo de su trayectoria.
La exposición inicia con la serie Petauristarius en paraíso. Son esculturas de pequeño formato que representan objetos y entidades que “realizan contorsiones entre lo real y lo imaginario”. Estas piezas exploran las posibilidades matéricas del acero policromado, cuya expresividad se articula a partir de la exploración dibujística del artista. Se trata de esculturas de carácter totémico que dialogan con referencias de la historia del arte y, al mismo tiempo, encarnan seres deformados de origen vegetal, animal y humano: flores, animales y cabezas cobran vida en un ecosistema vibrante, otorgado por el lápiz de color trabajado en el acero.
Esta muestra propone una mirada que toma como valor la fabulación y genera un vínculo amable con el público y cualquier tipo de espectador, especialmente para aquellos que pretendan tener un primer acercamiento al arte. Recordemos un proyecto anterior del artista, llamado “Libros para primeros lectores”, el cual fue una iniciativa didáctica que tomó por enfoque la creación de libros que otorgaran una experiencia desde la práctica manual a cualquier persona que se adentrara por primera vez a la lectura. Ambos proyectos se construyen desde una intencionalidad lúdica, donde cada obra se vuelve transparente en cuanto pensamos su proceso de creación, dejando ver por parte del artista una biofilia por las estructuras geométricas de los seres vivos. Estimo que tanto para la pintura per sé, como para el cuerpo de obra de Marín, no hay nada como la estructura.
El recorrido continúa con la serie El hombre ausente, en donde resulta inconfundible el olor del óleo al ingresar a las salas. Se nos presenta un conjunto de piezas en pequeño formato; al inicio nos topamos con pinturas que reflexionan sobre la espacialidad a partir de motivos concretos como un florero o un peón de ajedrez. Asimismo, coexisten paisajes que apuntan hacia abstracciones mínimas, trabajados con la economía técnica que la pintura puede otorgar, se le pueda llamar aguadas o que estén realizadas desde un primer tiempo. Proponiendo en su conjunto, episodios de la vida de un hombre a lo largo de un día. La pintura de Manuel Marín propone una mirada intersticial. Estas obras son ventanas hacia exteriores evocativos, generados por medio de atmósferas y lugares que nos inducen a tener un momento de introspección. El vacío es expresado a través de las umbrales de la espacialidad en la pintura como lo son la amplitud, la lejanía y el horizonte, guiadas temporalmente bajo una modulación lumínica. Es en estos ejercicios en donde se bifurca la ambigüedad y es posible hacer presente lo ausente. En lo simbólico reconocemos las ausencias.
Tanto Petauristarius en paraíso como El hombre ausente, son proyectos que nos envuelven en una intimidad guiada por un fulgor lúdico y estético. Es así como las salas de exhibición de la Casa del Risco se convierten en espacios en donde se sublima y se festeja el deseo de la materia al transformarse en objetos simbólicos. La importancia de estos dos proyectos reside en que le otorgan al medio un vitalismo planteado desde la neofiguración.
Aún mostrando cada pieza su singularidad, cada serie por separado contiene en sí una potencia sensorial donde inevitablemente se proponen en cada una un universo. Por un lado emergen entidades que dentro de su propia construcción juegan con la espacialidad, y por el otro nos otorgan un acercamiento sensible hacia las preguntas sobre el estar y no estar.
La praxis artística de Manuel Marín se le puede denominar como asincrónica. Si bien su pintura en un primer instante no aborda las preguntas latentes que construyen la narrativa contemporánea, lo que sí lo vuelve un valor es el poder proyectar, a través de su pintura, las preguntas que nos conectan con una trascendentalidad. ¿En qué lugares se colocan el vacío y la inventiva en un contexto donde la psique se encuentra sumergida bajo oleadas de imágenes? ¿Por qué volver a la pregunta sobre la presencialidad? La pintura de Manuel Marín no está para contestar. Esos paisajes vacíos el espectador los puede llenar con lo que más le afecte.
La trayectoria de Manuel Marín dentro del arte mexicano inicia con su formación en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, así como en el taller de Gilberto Aceves Navarro. Durante la década de los setenta participó en el Grupo Março, colectiva que buscaba abordar la relación entre la imagen y la palabra, el arte correo y la apuesta a intervenciones al espacio urbano. Su práctica se ha enriquecido también desde una importante carrera como docente.
Es miembro de la Academia de las Artes y escritor de textos de carácter teórico como Espacio y Cosas (1994), El tiempo en la pintura (1996), Intenciones del ver (2000), e Imagen (2007), este último aborda planteamientos de la historia del arte en relación con la imagen.
Inaugurada el pasado 9 de julio en el Museo Casa del Risco, la exposición permanecerá abierta hasta el 28 de septiembre.
¹ Sacado del texto curatorial.
² Editorial Herder México, “Manuel Marín,” sin fecha, consultado el 7 de septiembre de 2025, https://herder.com.mx/es/autores-writers/manuel-marin
Mariana Solorzano
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